Daniele Balit est historien de l’art, théoricien et commissaire d’expositions. Spécialiste des études sonores, ses recherches portent en particulier sur les convergences audio-visuelles de la période post-Cage et post-minimaliste, et sur l’« esthétique de la situation » autour de figures telles que Michael Asher ou Max Neuhaus.

Graphiste et plasticien, diplômé de l’ISBA de Besançon, il édite et conçoit livres, revues et multiples favorisant tous les procédés d’impressions. Son activité se concentre autour du design éditorial (collection Ohcetécho, Les presses du réel, La Conversation depuis 2008, FRAC Franche-­Comté en 2014…), d’identités graphiques (Adele et Seize Mille, réseaux d’art contemporain ; Sonic, pôle sonorités de l’école d’art de Mulhouse, La Maison du directeur…), et de créations typographiques. Engagé dans l’animation et l’associatif culturel, il participe aujourd’hui au développement des éditions Untitled. (éditeur d’œuvres multiples) et les Ami·e·s du FRAC Franche-Comté, après être passé dans d’autres groupes tels Toshiba House entre 2009 et 2015 (atelier & lieu d’exposition, Besançon), l’association W au côté d’Yvan Etienne (problématiques et pratiques esthétiques liées au travail du son et à la transdisciplinarité), ou le programme de création radiophonique CRAPS, diffusé sur les ondes et sur internet, qu’il produit et co­-anime avec Nicolas Maigret entre 2004 et 2008. Les créations sonores et musicales restent au cœur de ses préoccupations actuelles.

Diplômé de l’école d’Art de Besançon, plasticien à la frontière entre la sculpture et le design, il développe un travail de céramique, de dessin et de peinture qui interroge le monde des objets en tant qu’espace de représentation. Il expose régulièrement son travail dans différentes galeries et centres d’arts en France et à l’étranger et récemment au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon. Son travail a rejoint les collections du Frac Franche Comté, du Fonds d'art contemporain de la Ville de Besançon et du Fonds d'Art Contemporain du Musée des Beaux-Arts et d'Archéologie de Besançon. Il collabore avec les Éditions Untitled en 2018 pour la production d’un multiple et avec la Maison Chauffante Edition en 2006, pour la réalisation d’un livre objet sur son travail de sculpture. Il intervient à l’ISBA depuis 2000, comme enseignant pour les cours public de pratique amateur de sculpture et de dessin. Il enseigne actuellement la céramique auprès des étudiants de 1ère année et propose un accompagnement à la sculpture pour l’ensemble des élèves du cursus. Il est à l’initiative, en 2011, de la Résidence sculpture/céramique proposée aux anciens.nes étudiants.es de l’ISBA, en lien avec la manifestation le Jour du Feu, qui s’articule autour de la question du multiple et de la collection.

Clarence Boulay est autrice, chercheure et scénographe. Titulaire d’une thèse de doctorat en Cultures visuelles à L’EHESS, elle s’intéresse particulièrement aux conditions d’élaboration des espaces de représentation.

Anna Byskov, née en 1984 à Quito (Équateur), est une artiste anglo-danoise ayant grandi principalement à Genève. Diplômée de la Villa Arson à Nice en 2008, elle travaille entre Mulhouse et Paris, où elle dispose d’un atelier à la Fondation des Artistes à Nogent-sur-Marne ainsi qu’à Motoco à Mulhouse. Sa pratique de la performance met en scène son corps et son esprit à travers des personnages situés à la frontière entre fiction et récit personnel. Marqué par un rapport aux langues et aux cultures multiples, son travail explore les zones du non-sens, du contre-sens et de l’absurde. Dans ses vidéos, elle incarne des personnages confrontés à des difficultés de communication ou d’action, où les tentatives d’accomplir une tâche échouent souvent, générant frustration, autodérision et répétitions. Elle a notamment exposé ou performé au Centre Pompidou, au 55ᵉ Salon de Montrouge, au Printemps de Septembre (Toulouse), au Crac Alsace, au Crédac (Ivry-sur-Seine), à la Fondation du Doute (Blois), à la Villa Arson (Nice), à la Maison d’Art Bernard Anthonioz (Nogent-sur-Marne) ou encore à la Power Station of Art (Shanghai).

Camille Chatelaine est designeuse graphique, diplômée de l’École Supérieure d’Art et Design de Valence en 2014. Elle obtient en 2017 un diplôme supérieur de recherche en design (DSRD) après trois années au sein du Cycle Design Recherche (CyDRe) de l’ÉSAD Saint-Étienne, où elle s’investit notamment dans l’élaboration de la revue de recherche en design Azimuts. Son travail s’oriente sur la question de la transmission des savoirs et de leur médiatisation. Elle s’intéresse aux modalités d’élaboration des discours et à l’empreinte de leurs représentations sur l’imaginaire collectif. Elle intègre l’équipe du pôle recherche de la Cité du Design en tant que designer graphique et chargée de recherche pendant deux ans sur des projets d’expositions et d’éditions. Fin 2020, elle reprend son activité de designeuse indépendante, et crée l’association TEM-Press, qui diffuse et transmet les cultures graphiques sur le territoire stéphanois.

Photographe plasticienne, Salomé Gaëta est diplômée de l’Institut Supérieur des beaux-arts de Toulouse et de l’École nationale supérieure de la photographie à Arles. Son travail s’articule autour d’une pensée de la perception en interrogeant notre capacité à poser un regard sur le paysage et la manière avec laquelle nous nous tenons devant lui.  Elle porte une attention particulière à l’image dans sa forme la plus large avec une nécessité de réfléchir au médium ainsi qu’à la technique, ne se traduisant pas seulement comme un outil mais comme une manière de penser le monde, de travailler en équipe et de transmettre. Actuellement, elle enseigne la photographie auprès des élèves de première année, dans le cadre des ateliers techniques et propose un accompagnement en photographie en fonction des projets pour l’ensemble du cursus. Elle est chargée du laboratoire argentique, numérique ainsi que du studio. En parallèle de sa pratique artistique, elle est également retoucheuse professionnelle. En 2024, elle a eu l’occasion de participer à plusieurs séminaires et colloques dans le cadre de l’exposition Vues et Données avec Aurélie Pétrel et Fabien Vallos au sein du musée Photo Élysée de Lausanne et au Confort Moderne à Poitier. Ce projet a donné lieu à une publication sous forme de catalogue. La même année, elle a également été exposée à la maison Sainte Victoire en partenariat avec l’ONF, aux Beaux-Arts de Paris lors du festival Photo Saint Germain ainsi qu’à la Fondation Manuel Rivera-Ortiz à Arles. 

Christophe Gaudard est un graphiste dont le travail a été sélectionné, exposé et primé dans de nombreuses compétitions internationales de design graphique (Pologne, France, Chine, Russie, Finlande, Japon, États-Unis, Belgique, République tchèque…). Il a notamment reçu le 1er prix du musée de l’affiche de Varsovie (Henryk Tomaszewski), le prix « ADI Excellent Work » de l’Institut de design de Chine, le Golden Bee Award de Moscou, la médaille d’argent à la Biennale internationale d’affiches de Hangzhou et le 3e prix du Festival international de graphisme de Chaumont. Ses affiches figurent dans plusieurs collections, dont celles du Centre international du graphisme de Chaumont, du Musée des Arts décoratifs de Paris, du Museum für Gestaltung de Zurich, du Centre Pompidou et du FRAC Normandie. Depuis 2009, il enseigne le graphisme à l’Institut supérieur des beaux-arts de Besançon. En 2017, il cofonde la galerie Sunset—Rs et la maison d’édition Sunset Books avec Hugo Schüwer-Boss.

Claire Kueny est critique d’art, chercheuse et enseignante en histoire de l’art à l’Institut supérieur des beaux-arts de Besançon. Docteure en histoire de l’art et esthétique, diplômée de l’Université Paris 8 Saint-Denis, ses recherches se développent autour d’objets d’études aux formes de visibilité ténues, qu’il s’agisse des ombres, des fantômes, des projets d’atelier, des chantiers de rénovation, ou encore des objets de bruitage, dissimulés dans le hors-champ des studios de post-production cinématographiques. En tant que critique d’art, elle situe son travail au-delà de l’écriture, dans une pratique de compagnonnage avec les artistes, plaçant au centre, la fertilité des rencontres et des échanges, le suivi dans le temps, la possible inactualité et l’expérimentation. De ses recherches et activités découlent une pratique discrète de l’écriture, ainsi qu’une attention pour ce qui est invisibilisé dans l’art (l’écologie de l’œuvre), et pour celleux qui le sont aussi.

Anaïs Maillot-Morel est née en 1983. Elle vit et travaille à Besançon. Elle est titulaire d’un Post-Diplôme en Design et Recherche de l’École Supérieure d’Art et Design de Saint-Étienne en 2007 et d’un DNSEP Communication Visuelle de l’ISBA de Besançon en 2006. 
En tant qu'employée dans la société Mignotgraphie, puis en tant que designeuse graphique indépendante, elle a collaboré avec l'agence Olinda pour concevoir et réaliser des éléments graphiques pour les vitrines de magasins de diverses maisons de luxe : Cartier, Façonnable, Chantelle, Kenzo. 
Sa formation pluridisciplinaire de graphiste et designeuse l’a conduit, fin 2009 à s’associer au designer Yves Morel pour œuvrer au sein de l’entreprise Yves Morel Workshop, spécialisée dans le design d’objets, le design graphique (identités visuelles, signalétiques, éditions, affiches), le graphisme d’exposition (panneaux, supports, mobilier), la scénographie et le soclage d’œuvre d’art. Plusieurs expositions temporaires ou permanentes y ont vu le jour, en collaboration avec d’autres structures dans différents musées (le Château de Champlitte, La Cité des Sciences, le Palais de la découverte, le Musée de Préhistoire d’Île-de-France, le MuCEM…) 
Depuis 2008, elle intervient à l’Université de Franche-Comté et elle enseigne le design graphique à l’Institut Supérieur des beaux-arts de Besançon.

Émilie McDermott est une artiste franco-américaine diplômée des Beaux-Arts de Cergy. Sa pratique transversale mêle approche sensorielle, performance et narration orale. À travers le corps, la voix, l’odeur et la présence partagée, elle interroge la manière dont la mémoire, l’attention et les gestes du quotidien circulent, s’incarnent et façonnent notre rapport au temps et aux lieux. Ses installations et formats participatifs engagent les publics dans des expériences sensibles, entre récit incarné et résistance poétique. Depuis 2020, elle co-dirige avec Nour Awada le projet de recherche [Re]production, consacré aux enjeux de la maternité dans l’art contemporain, soutenu par le Ministère de la Culture. Son travail a été présenté en France et à l’international dans le cadre d’expositions, de festivals, de résidences et de programmes de recherche.

Professeur d’enseignement artistique en gravure et édition Graveur et imprimeur, Didier Mutel dirige un atelier de taille-douce historique dédié à l’estampe et au livre d’artiste. Son travail conjugue exigence technique, transmission des savoir-faire et collaboration avec des artistes contemporains. Il développe une activité reconnue de production éditoriale et a reçu plusieurs distinctions pour son engagement dans les métiers d’art.

Rainer Oldendorf, né en 1961 à Lüchow, est un artiste allemand. Il étudie l'allemand, l'histoire et la philosophie à l'Université Albert Ludwig de Fribourg, puis il intègre l'école d'art de Hambourg, après il effectue des études postgraduate à l'Institut des hautes études en arts plastiques de Paris. Il enseigne dans des universités et écoles d’art en Amérique, en Europe, en Israël et au Japon depuis 1990. Il vit et travaille à Paris, Porspoder, Lörrach et Besançon. Il est principalement connu comme cinéaste expérimental et sculpteur. Son œuvre Marco est un portrait cinématographique fictif d'un homme nommé Paul. Le lieu et les circonstances de la production du film lui-même sont inclus dans l'intrigue. Depuis 1995, le récit se développe en épisodes. Les lieux et les personnes changent. Rainer Oldendorf combine le cinéma d'art et différentes formes sculpturales. C'est dans le cadre de l'exposition Soleil politique à Bolzano que Marco13 est créé avant que Marco14 und CIAM4 / Schiffbruch mit Zuschauer (2017) ne soient exposés lors de la documenta 14 au Polytechneion d'Athènes, au Hessisches Landesmuseum et à la Kunsthochschule Kassel.

Géraldine Pastor Lloret enseigne le dessin à l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon. D’origine méditerranéenne — de Marseille à la côte d’Azur, avec des racines plus lointaines en Espagne — son travail est traversé par des circulations géographiques et narratives. À Besançon, elle a récemment conçu infiniment, une exposition de dessins avec des étudiant·es au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie, devenue depuis un projet éditorial consacré aux alumni. À Marseille, elle a développé des collaborations autour de Toc, une revue de dessin, et co-dirigé pendant plusieurs années la galerie Sol Mur Plafond, tout en initiant un programme d’expositions et de résidences à Berlin. Elle a présenté son travail notamment aux Beaux-Arts de Paris, à la Villa Arson et à La Station à Nice, au Centre d’art de Pougues-les-Eaux, au CRAC de Sète, à la Halle Nord à Genève ou encore à la galerie Parker’s Box à New York, ainsi qu’au FRAC Franche-Comté. Son travail de dessin explore une tension entre ordre et chaos, développant une forme d’écriture visuelle, à la fois narrative et ouverte.

Gilles Picouet est un artiste français né en 1966 à Auxerre dans l’Yonne (France). Hanté par la disparition des êtres et des choses, il produit des installations qui interrogent la place de l’Autre. Au sein du collectif CLARA qu’il fonde en 2005 ou dans son travail personnel, Gilles Picouet dit qu’il a perdu le sentiment d’éternité. Il écrit des protocoles et met en scène des dispositifs pour célébrer les êtres vivants ou morts. En 2015, il donne naissance à GiGi, son double en peluche et en taille réelle, pour qui il produit avec un soin artisanal des pacotilles manufacturées en petites séries.

Après des études de philosophie avec Jean-Luc Nancy, Sarah Ritter intègre l’École nationale supérieure de la photographie d’Arles. Son travail est présent dans plusieurs collections publiques et privées et est régulièrement exposé dans des musées, galeries et festivals en France et à l’international. En 2019, son projet L’Ombre de la terre reçoit le soutien du Centre national des arts plastiques. Lauréate en 2021 du programme de recherche de l’Institut pour la photographie des Hauts-de-France, elle développe un travail au long cours sur l’extractivisme, dont sont issus notamment les ensembles Soleils fantômes et Ciels d’industrie, poursuivis dans le cadre de la commande « Radioscopie de la France » de la Bibliothèque nationale de France en 2022. Sa pratique photographique mêle différents procédés d’impression et de projection et explore les relations entre fiction, matérialité de l’image et espaces d’extraction, qu’il s’agisse de données, de ressources ou d’images.

Martha Salimbeni est graphiste-auteure. Après une expérience à Berlin au sein du studio de Manuel Raeder, elle fonde son studio indépendant à Paris en 2010. Son travail, principalement inscrit dans le champ culturel et artistique, comprend la conception d’ouvrages, d’identités visuelles, de typographies, d’affiches et d’objets imprimés pour des artistes, galeries et institutions. Souvent développés dans des contextes collaboratifs et pluridisciplinaires, ses projets incluent notamment la cofondation en 2012 de la revue M.E.R.C.U.R.E., accompagnée d’un programme de résidences et d’expositions. Depuis 2014, elle enseigne le design graphique à l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Besançon, où elle développe des projets pédagogiques explorant le graphisme comme outil d’expression et de diffusion, intégrant des perspectives féministes, queer et décoloniales.

Hugo Schüwer Boss est né en 1981 à Poitiers, de nationalité Franco-suisse. Il enseigne la pratique contemporaine de la peinture depuis 2013 à I’Isba de Besançon où il vit et travaille et où il a cofondé deux artist run spaces ; Toshiba House, 2009-2016 et Sunset (RS) depuis 2016. Outre des résidences à la Friche Belle de mai à Marseille et au Frac Alsace, il a exposé au Hunter College de New York, à la villa Médicis à Rome, au musée d’Orsay à Paris, au Mamco de Genève, à la villa Arson à Nice, au Confort Moderne à Poitiers, à l’espace de l’art Concret de Mouans Sartoux et à la Tolerie de Clermont Ferrand, il a participé à la première biennale de Belleville et au 55e salon de Montrouge. Après l’obtention du 1 % culturel de la douane de Delle-Dellemont ; son travail a rejoint les collections du Frac franche Comté, du Frac Limousin, du Consortium à Dijon, et du Fonds national d’art Contemporain. En 2018, le Frac Franche Comté lui a consacré sa première exposition monographique en institution. Un entretien d’une heure avec Thomas Levy Lasne est disponible sur la chaine Youtube « Les apparences ».

Enseignant-chercheur à l’ISBA, Philippe Terrier-Hermann est également en charge du suivi des étudiants de Master de photographie à la Cambre, à Bruxelles, depuis 2005. Après l’obtention d’un DNSEP à Rouen, il poursuit des études à la School of the Art Institute of Chicago suivi par un post-doctorat à la Rijksakademie à Amsterdam. Puis il séjourne à Bruxelles, à la Villa Médicis, à la cité des Arts à Paris, à Tokyo (Villa Médicis Hors les Murs), à Buenos-Aires et en 2006 à Bangkok afin de réaliser différents travaux essentiellement sous forme de photos ou de vidéos.    En 2006 il a enseigné à la Oslo Fotokunstskole et il a commencé à enseigner la vidéo et la photographie à Besançon. Il a collaboré régulièrement avec l'ESCP Paris et l'Institut Français de la Mode dans le cadre de workshops de création. 

Assistant d'enseignement artistique diplômé de l'École des Beaux-Arts de Mulhouse, Christophe Vaubourg enseigne l'infographie à l'ISBA. Cofondateur de plateformes graphiques web, musicien et artiste multimédia, son travail explore les intersections entre art numérique, graphisme et musique électronique. Fan inconditionnel de bimbos mutantes, poètes ratés, bastards en croisière, guitaristes hard-rock, bodybuilders psychopathes, bidules à petit budget, techno recyclée, prototypes foireux, il a été élevé au coca-cola et aux jeux vidéos. Il génère des romances et du bruit, le chuintement des pneus sur l'asphalte, le cliquetis spatial presque silencieux de l'explosion de la navette en version moteur de recherche qui s'approvisionne au rayon du luxe et du discount pour Human Tools.

Laure Wauters, née en 1989 à Rouen, vit et travaille entre Paris et Pantin. Diplômée des Arts Décoratifs de Paris, elle rejoint l’atelier W en 2017, après un séjour de deux ans à la Cité des Arts de Paris. Son travail, ancré dans le dessin et la peinture, explore les notions de fragmentation et d’assemblage, d’imitation et de détournement. Par touches, elle compose un langage plastique fait de maquettes et de formes fragmentaires, où se mêlent éléments narratifs et associations sensorielles. Jouant d’anachronismes et d’échelles, ses compositions convoquent des artefacts incomplets, traversés par l’ellipse et l’absence. Elle enseigne la peinture à l’ISBA.

Juliette Nier est diplômée de l’École des Arts Décoratifs de Paris (2018). Sa pratique du graphisme se construit dans un rapport direct aux outils, aux matières et aux gestes : découper, assembler, imprimer, manipuler. Elle développe un langage en mouvement, fait d’essais, de répétitions et d’attention aux détails, où les formes se transforment et se rejouent. Envisagé comme un outil de narration et de médiation, son travail explore la manière dont des récits scientifiques, historiques ou politiques peuvent devenir visibles et sensibles. Ses projets prennent des formes variées — éditions performées, théâtre graphique, conférences mises en scène — à la croisée de l’édition, de la recherche et de la performance. À l’ISBA, elle prolonge cette approche à travers une pédagogie attentive aux processus de fabrication et aux liens entre forme, sens et contexte, invitant à penser le graphisme comme un espace d’enquête et d’expérimentation collective.

Gaëtan Trovato interroge l’image dans ce qu’elle a de plus trouble : sa capacité à incarner, à convaincre, à hypnotiser. Qu’elle soit fixe ou filmique, l’image devient un espace de projection mentale, une surface de croyance. Elle agit comme une présence, presque animée, oscillant entre apparition, simulacre et rituel visuel. À travers l’installation et le médium vidéo, Gaëtan Trovato explore les zones instables entre fiction et non-fiction. Visages, corps, figures reconnaissables ou anonymes émergent dans des dispositifs où le regard est guidé, contraint, parfois manipulé. Sa pratique bouscule les conventions cinématographiques en dialoguant avec la matérialité de l’image et les codes du théâtre, notamment dans la manière de spatialiser les récits. Il questionne la crédulité volontaire du spectateur et le pouvoir médiatique de l’image, capable de fabriquer des mythes, de transformer les individus et de perturber notre rapport à l’intime. Diplômé de l’École supérieure d’art d’Aix-en-Provence puis de La Fémis, Gaëtan Trovato a approfondi sa recherche à l’ISBA, dans le cadre d’une pédagogie attentive aux dispositifs, aux seuils de perception et aux tensions entre image, espace et regard.